In den verschiedenen Foren wurde betont, wie vielfältig die Kulturarbeit und deren Aufgaben im ländlichen Raum sind. Dementsprechend könne nicht zwischen guter und schlechter Kulturarbeit entschieden werden. Besonders fatal sei es, gute Kulturarbeit im ländlichen Raum an den Merkmalen städtischer Kulturangebote zu messen, da zukunftsweisende und nachhaltige Kulturarbeit nur auf der Grundlage der vorhandenen Lebensbedingungen entstehen kann. Vielmehr sollte danach gefragt werden, ob die vorhandenen Angebote zur gesellschaftlichen Entwicklung vor Ort beitragen und mit ihnen Zusammenhalt, Austausch und Innovation gefördert werden können. Um sich diesem Anspruch zu stellen, müssten aber auch die Rahmenbedingungen für Kulturschaffende im ländlichen Raum verbessert werden. Beratungsleistungen und Qualifizierungsangebote, eine bessere finanzielle Unterstützung und unbürokratische Fördermodelle wurden als Wünsche seitens der Teilnehmer formuliert. Die Stärkung der regionalen Kulturarbeit sei aber ebenso auf die spartenübergreifende Zusammenarbeit und interinstitutionelle Vernetzung der Vereine, Verbände und Einrichtungen wie auch auf eine bessere Kommunikation vor Ort angewiesen. Das Engagement zentraler Personen und der Rückhalt durch den Bürgermeister oder wichtige Multiplikatoren wurden als weitere Gelingensbedingungen genannt.

Vereint im Zeichen der Kultur – Teilnehmerinnen und Teilnehmer im Saal sind ganz Ohr. 

Im Nachgang der Foren diskutierten Friedlinde Gurr-Hirsch, Staatssekretärin im Ministerium für Ländlichen Raum und Verbraucherschutz, Petra Olschowski, Staatssekretärin im Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst, Klaus Pavel, Landrat des Ostalbkreises und Projektträger, Thomas Reumann, Landrat des Landkreises Reutlingen, sowie Hortensia Völckers, Künstlerische Direktorin der Kulturstiftung des Bundes, auf welche politischen Besonderheiten die Kulturförderung in ländlichen Regionen und kleineren Städten reagieren muss und welche kulturpolitischen Instrumente greifen, um die Kulturarbeit im ländlichen Raum langfristig zu unterstützen. Staatssekretärin Gurr-Hirsch hob das starke ehrenamtliche Engagement in der Region und die Vielfalt der örtlichen Kulturarbeit hervor. Staatssekretärin Olschowski betonte, dass man vor allem auch über spartenübergreifende Konzepte und hauptamtliche Strukturen reden müsse. Eine gemeinsame Netzwerkstelle zur Unterstützung der regionalen Kulturakteure war eine Idee von Landrat Pavel, der sich hierüber mit den Landräten der sieben beteiligten Landkreise verständigen möchte und Zustimmung seines Kollegen Landrat Reumann erhielt. Dass zwei Ministerien und sieben Landkreise an der Lernenden Kulturregion beteiligt sind, wertete Hortensia Völckers als wichtige Grundlage für die Zukunft der TRAFO-Idee in Baden-Württemberg.

Theatermacher und solche, die es werden wollen, im Gespräch.

Auch die Kulturwerkstätten, die sich in der Lernenden Kulturregion Schwäbische Alb engagieren, brachten ihre Erfahrungen ein. Die Opernfestspiele Heidenheim, das Landestheater Tübingen, das Theater Lindenhof in Melchingen, das Federseemuseum Bad Buchau und die inter!m – Kulturhandlungen mit dem Museum Villa Rot in Burgrieden gaben Beispiele für innovative Kulturprojekte, die sie in den vergangenen zwei Jahren im Rahmen des TRAFO-Programms entwickelt haben. Sie verdeutlichten, wie Kultureinrichtungen in die Fläche wirken können, um mehr Menschen im ländlichen Raum mit Kunst und Kultur zu erreichen: Durch Theaterprojekte mit der Dorfbevölkerung, Erzählcafés, die musikalische Förderung von Kindern und Jugendlichen, durch archäologische Vermittlungsprojekte oder performative und mediale Gemeinschaftsproduktionen. (Einen Kommentar dazu finden Sie in der Rubrik „Na sowas“)

    Ohne Fritz Bauer hätte es die Auschwitz-Prozesse Anfang der 1960er-Jahre und damit den ersten ernsthaften Versuch, die Schandtaten des NS-Terrorregimes und seiner Helfershelfer aufzuarbeiten, nicht gegeben. Der gebürtige Stuttgarter hatte dabei mit großen Widerständen zu kämpfen, weil der gesamte Justizapparat noch von den furchtbaren Juristen der Nazizeit durchsetzt war. Übrigens ist der Ellwanger Künstler Karl-Heinz Knoedler durch diesen Prozess zu einer zeichnerisch großartigen Serie von erschütternden Schwarzweiß-Arbeiten bewegt worden.

   Fritz Bauer, der 1968 gestorben ist, hat inzwischen auf vielfältige Weise, darunter zwei Spielfilme, die verdiente Würdigung erfahren. Vor wenigen Tagen ist sein ehemaliges Büro im Frankfurter Landgericht in Fritz-Bauer-Saal umbenannt worden. Ziemlich spät, aber immerhin. „Er hatte ein Herz. Das Humane war für ihn die eigentliche Triebkraft, ein guter Jurist zu sein,“ hat der Politologe Jürgen Seifert Fritz Bauer gewürdigt. Bauers Großeltern stammen übrigens aus Ellwangen/Jagst. 

     Für den im Januar 1945 in Berlin-Plötzensee hingerichteten Eugen Bolz galt ein anderes ethisches Postulat. Sein Wahlspruch lautete: „Die Ehrfurcht vor Gott ist der Anfang der Weisheit.“ Ihn hat die Eugen-Bolz-Realschule Ellwangen (EBR) auf der Einladung zur Eröffnung eines Eugen-Bolz-Raumes in der Schule zitiert. Es entbehrt nicht der Ironie, dass die EBR nach ihrer Gründung im Kollegium von sozialdemokratischem Geist erfüllt war. Genosse war auch der schon erwähnte Karl-Heinz Knoedler, der für das Foyer der Schule eine Stele aus Bronze geschaffen hat. Oswald Grässle, Bernhard Koch, Herbert Hieber und Dieter Ulmer, um nur einige Namen zu nennen, haben den Kontakt zur Tochter des württembergischen Staatspräsidenten, Mechthild Rupf-Bolz, geknüpft und über die Jahre hinweg aufrecht erhalten. Dieser Vertrauen schaffenden Verbindung ist es letztlich zu verdanken, dass die Möbel des einstigen Arbeitszimmers in der nach ihrem Tod abgerissenen Villa auf dem Killesberg in Stuttgart über den Geschichts- und Altertumsverein Ellwangen in die EBR gelangt sind.

   Dort sollen nun in einem Erlebnisraum die Schülerinnen und Schüler dauerhaft an Bolz‘ wertvollsten Nachlass erinnert werden: „das demokratische Denken und Handeln.“ Zu Recht ist der Zentrumsmann und überzeugte Katholik unter anderem auf einer Briefmarke als „Aufrechter Demokrat“ gewürdigt worden. In einem Wikipedia-Beitrag kann man indes lesen, dass bereits ein Seligsprechungsverfahren für den ermordeten Politiker läuft, als Blutzeuge aus der Zeit des Nationalsozialismus in das „Deutsche Martyrologium des 20. Jahrhunderts“ aufgenommen zu werden. Der Festredner bei der Feier in der EBR, Dr. Andreas Schaller, soll sich direkt beim Diözesanrat der Diözese Rottenburg-Stuttgart um dieses Verfahren kümmern.

   Diese Vereinnahmung des ehemaligen Staatspräsidenten als Märtyrer ist durchaus umstritten. Eugen Bolz wurde ja nicht ein Opfer seines Glaubens, sondern enthauptet, weil er als aufrechter Demokrat zu dem Widerstandskreis um Carl Goerdeler Kontakt geknüpft hatte. Deshalb hat er wie Fritz Bauer jede überkonfessionelle, demokratische Ehrung verdient. Ohne Seligsprechung taugt er für weit mehr Menschen als Vorbild. Ein anständiger Mensch und aufrechter Demokrat braucht kein frommes Etikett, noch die Stilisierung zum Blutzeugen für seinen Glauben.

    Der schwäbische SPD-Mann und hessische Generalstaatsanwalt hätte ohnehin keine kirchliche Instrumentalisierung befürchten müssen. Der Jude Bauer war erklärter Atheist.

Wolfgang Nußbaumer       

  Diese Schule des genauen Hinsehens und ebenso genauen Beschreibens ist dem renommierten Autor wie in seinen fiktionalen Texten auch in seinem autobiografischen Buch „Was ich liebe – und was nicht“ zugute gekommen. Genau hinzusehen gilt nicht nur für den Blick auf die Außenwelt, sondern ebenso für die Innenwelt des eigenen Seins. Nur so kann man erkennen, was einen existenziell umtreibt. Wie die Erfahrungen des Lebens die Lebenserfahrung prägen. Wobei die Selbstwahrnehmung viel leichter korrumpierbar ist; wer lügt sich nicht selbst gern etwas in die Tasche, wenn’s schwierig wird.

  Diese Erkenntnis durchzieht sein Buch und diesen ebenso unterhaltsamen wie lehrreichen Abend. Alle seine Beobachtungen zur schon in der Antike thematisierten Kunst des Lebens hat er unter Stichworte gestellt. „Wohnen und Bleiben“ – wie die Familie zwischen dem quirligen Köln und dem ruhigen Flecken im Westerwald gependelt ist. Zuflucht und Geborgenheit, Ruhe und Einsamkeit findet er seitdem eben dort im Westerwald in seiner jährlichen „Klausur“, dort wo schon seine Großeltern ihre Heimat hatten, die Geborgenheit der übersichtlichen Gemeinschaft, die Sicherheit der täglichen Rituale.

  Auf seinen Spaziergängen führt ihn sein Weg fast immer zu jener Stelle im Tannenwald, wo sich die Aussicht auf  den einstigen Hof und die Wirtschaft der Großeltern öffnet. „Hier habe ich Sprechen gelernt“, sagt Ortheil. Mit drei Jahren hatte er zu sprechen aufgehört, weil seine Mutter über dem Verlust von vier Söhnen stumm geworden war. Was in der notwendig verkürzten Beschreibung so dramatisch klingt, gewinnt in Ortheils lakonisch-selbstironischer Darstellung erträgliche Distanz.

  Der Nichtautofahrer und Ungernflieger liest und schildert noch seine Erfahrungen mit dem wiederholt bei Familienausfahrten mit den Eltern vergessenen VW-Käfer – man hatte zur Rückfahrt wie gewohnt den Bus benützt – ; schwärmt vom Sonnengold über den Wolken, wenn das Flugzeug für einen Glücksmoment jenseits von Raum und Zeit zu verharren scheint; beschreibt das Wunder der Stille in einem vollbesetzten ICE; räsoniert über das „Schriftstellerleben“ von einem, der auszog, um Konzertpianist zu werden bis dauernde Entzündungen ihm die rote Karte zeigten; begibt sich im Kapitel „Liebesromane“ auf die „Stufenleiter des libidinösen Verhältnisses“ und macht als Muffel auch nicht vor der Mode halt.

  Das hört sich alles so selbstverständlich, so locker vom Hocker, so quellfrisch an – und ist doch Resultat einer Tätigkeit, die der Schreiblehrer als „ungeheuer schwer“ beschreibt. „Einen guten, in sich stabilen Text zu schreiben, ist sehr, sehr schwierig“, weiß er aus eigener Erfahrung. Deshalb trainiert er sein Schreibvermögen bis heute täglich – „ein unendlicher Prozess“. Nur so kann er für den Moment gewappnet sein, wenn ihn ein neues Thema existenziell anspringt und in romanhafte Form gebracht werden will. Dann muss der Autor Ortheil ohne Aug und Ohr für die Außenwelt „in einen Tunnel einfahren“, den Tunnel seiner Fiktion, in dem er seine Figuren und deren Handlungen notierend verfolgt – bis sie gemeinsam mit ihm als fertiger Roman wieder das Licht der Wirklichkeit erreichen. Falls er sie nicht im Dunkel gegen die Wand gefahren hat…

Wolfgang Nußbaumer

     Leben und Kunst waren für den gebürtigen Stuttgarter Ernst Wanner seit er 1946 nach Aalen kam, nicht zu trennen. Entsprechend breit war das thematische Feld, das er skulptural, in Mosaiken, graphischen Arbeiten und mit dem Pinsel beackert hat − und entsprechend vielfältig die Sprache der symbolträchtigen farbigen Formen. Die sind bei ihm nie aus dem Lot geraten; ihre innere Harmonie entsprang dem Selbstverständnis ihres Schöpfers.

     „Nur wenn man von einer Hoffnung oder gar von einer Zuversicht getragen ist, gibt es ein existenzielles und künstlerisches Fort- schreiten“, hat Wanner einst den ethischen Imperativ seines Handelns beschrieben. In seinen Landschaften hat dieser Optimismus unbeschwerten, farbenfrohen Ausdruck gefunden. Seine religiösen und gesellschaftskritischen Arbeiten hingegen sind von einer eher schwerblütigen, kontemplativen Bildsprache geprägt. 

  „Stern“ hat der Maler Wanner ein Bild genannt, das er kurz vor seinem 85. Geburtstag vollendet hatte. Auf dem Wege sind die drei Könige. Einst hat sie der Stern zur Krippe geführt. „Wir sind immer auf dem Wege“, sagte der hoch betagte Künstler zu diesem Werk.

     Er selbst war immer unterwegs. Bis zuletzt brach er auf der Leinwand immer wieder auf zu neuen Ufern. Nur von einem seine Malerei prägenden Stilmittel ist er nie abgerückt: Immer ist er in der Fläche geblieben. Er musste nicht die Perspektive bemühen, um seinen Bildern Tiefgang zu verleihen.

Wer rastet, der rostet

     Wer rastet, der rostet. Ein Wanner rostete nicht. „Ich suche mir immer wieder neue Wege, um nicht auf eingefahrene Gleise zu geraten“, hat er mir bei einem Besuch in seinem Atelier mit sehr bestimmtem Ton dargelegt. So lange ihm wegen seines schwindenden Augenlichts das Malen – mit eiserner Energie –  noch möglich war, ist er in seinen Bildtiteln am Puls der Zeit geblieben.  Entstanden sind  bildmächtige Zeugnisse für Ernst Wanners Versuch, der Herausforderung, „die die Welt um mich an mich richtet“, wie er sagte, gerecht zu werden.

   Für den gläubigen Christen bedeutete das, biblische Grundwahrheiten in eine Bildsprache umzusetzen, die sich einem emanzipierten  Verständnis von Glaube erschließt. Dieses Schaffen ist ihm wie sein Bekenntnis zur Religiosität in der Kunst bis zuletzt ein Herzensanliegen geblieben.

    In der Volkshochschule, in Ferienmalkursen und im eigenen Atelier hat er seine Kenntnisse weitergegeben. Das persönliche Rüstzeug dafür hatte er nach dem Abitur in Heilbronn an den Kunstakademien in Stuttgart und Leipzig erworben. Die Stadt Aalen hat er nicht nur in farbtechnischen Angelegenheiten beraten.

     Angesichts der vielfältigen Arbeiten im öffentlichen Raum, unter anderem Mosaiken im Torhaus, Kirchenfenster und Außengestaltungen an Hausfassaden, nicht zu vergessen die formkühne stählerne Sonnenuhr in Oberkochen, wird bewusst: Hier lebte und arbeitete ein Maler in seiner Stadt, engagiert, konsequent, ehrlich. Bei dessen Beerdigung hat der damalige OB Ulrich Pfeifle den Nestor  der Aalener Kunstszene als „überzeugende Persönlichkeit“ und „wichtigen Beweger in unserer Gesellschaft gewürdigt“.        -uss

Info: Mit der Ausstellung von zehn signifikanten Werken Ernst Wanners in der Rathausgalerie erinnert die Stadt Aalen zu dessen 100. Geburtstag an ihren großen bildenden Künstler. Am Samstag, 11. März, veranstaltet die Stadt eine Artothek. Sie bietet die einmalige Gelegenheit, Werke von Ernst Wanner auszuleihen.

Beim Zeichnen in der Toskana.

   In diesem frühen Blatt erkennt man schon eine der Konstanten in Albrecht Vogels Schaffen. Der ironisch-skeptische Blick auf die Welt, die formale Sicherheit, losgelöst vom Gegenstand – und die zugleich aufscheinende Kongruenz von Bildidee und Umsetzung. Es geht um Raum und Fläche, um das Verhältnis der Körper, um Perspektive – und es geht um das narrative Element, die Geschichte, die er erzählt. Dem Künstler ist die sinnlich erfahrbare Welt wichtig als wahrnehmbare Wirklichkeit. Aus ihr schöpft er: Natur- und Industrie-Landschaften, Interieurs, Architekturstudien, Personen, Details als Bestandteile seiner rätselhaft komplexen Kompositionen. Je nach  Erkenntnisinteresse und wohin Radiernadel und Zeichenstift drängen, können sie im Gegenständlichen bleiben oder sich radikal von ihm entfernen in die vollkommene Abstraktion. Da schlagen keine zwei Seelen in der breiten Brust des gebürtigen Westfalen; sondern das ist die künstlerische Freiheit, das denkend zu schaffen, was die Logik von Idee und Prozess fordert. Die Vielfalt ergibt sich aus dem Spiel der bildnerischen Mittel.

     Eine Maxime führte ihm dabei immer die Hand, im Gegenständlichen und im Ungegenständlichen: „Ein Minimum dessen, was der Künstler will, muss visualisiert sein“, betont er. Der ästhetische Sinn des Geschaffenen muss sich unabhängig von der inhaltlichen Dimension in einem gewissen Maß mitteilen. Anders gesagt. Wenn sich der Sinn eines Kunstwerks erst durch ausführliche kunsthistorische und –soziologische Exegese dem ratlosen Betrachter erschließt, stammt es nicht von Albrecht Vogel. In dem Punkt war er sehr sympathisch altmodisch.

   Dabei war der kantige Kerl, den es schon früh aus Minden in den Süden der Republik verschlug – 1966 hat er in Schorndorf sein Abitur gemacht – alles andere als geschwätzig in seiner Kunst; und nicht im Leben. Die Ökonomie der Mittel zeichnete ihn aus. Das Richtige mit dem Richtigen zu tun – und bloß nicht zu viel. Ästhetik war für ihn ein Aspekt der angemessenen Dosis. In Reinkultur zu betrachten in seinen kalligraphischen Arbeiten. Sie waren für den Schwarzkünstler, der auch in der traditionellen Typographie zuhause war, „eine unglaubliche differenzierte Schulung“. Wer durch diese Schule der gestalterischen Disziplin gegangen ist, kann sich später im freien Spiel der zeichnerischen Kräfte als Souverän behaupten. 

       Deswegen wird man auf seinen Blättern, ob Radierung, Zeichnung oder Malerei,  vergeblich nach der auftrumpfenden Geste suchen, nach dem grellen Apostroph, nach der virtuosen augenwischerischen Attitüde. Stattdessen wird man Werken begegnen, die in innerer Balance ruhen, die von formaler Harmonie geprägt sind, obschon sie häufig gerade nicht nach Harmonie streben. Sein Deutsch-Kollege an der PH, Martin Selge, hat in seiner klugen, warmherzigen Einführung zur letzten Ausstellung Albrecht Vogels, die ihm der Gmünder Kunstverein im Frühjahr 2015 gewidmet hat, dessen Ordnungsmaxime zitiert: „Das Gesehene teilen wir in Ordnungen, reguläre und irreguläre – aufgeräumt oder unordentlich. Mich zieht der Zwischenbereich an, sowohl formal als auch inhaltlich, dort, wo es ineinander übergeht.“ 

        Bis 2014 hat er zehn Jahre lang als Vorsitzender und „Experte für visuelle Denkanstöße“ (Selge) die Galerie des Kunstvereins im Kornhaus zu einem Hort der Qualität gemacht. Für Kompromisse war er nicht zu haben.  Das gilt auch für die 2014 erfolgte Gründung einer Jugendkunstschule. Über viele Jahre hinweg hatte er dieses Projekt, mit dem er auf der Basis einer soliden Kunstdidaktik junge Menschen an die bildende Kunst heranführen wollte, hartnäckig verfolgt. Blubberblasendruck war gewiss nicht sein Ziel.

     Geduld, Ausdauer und Fleiß hat Albrecht Vogel als wesentliche Tugenden des Künstlers postuliert. Ein Talent ohne Disziplin sei wie ein Auto ohne Benzin, hat er lakonisch festgestellt. Das klingt nach Arbeit, nicht nach Bohème. Können war für ihn Voraussetzung für Kunst. Wer sein Handwerk nicht versteht, wird  sich womöglich selbst beschädigen, wenn er mit der Stahlnadel ins widerspenstige Blech gräbt. Oder mit dem Hammer die Silberplatte in die dritte Dimension treibt. Er wird scheitern im Kampf mit dem Material.

     „Wir haben einen großen Mangel an dieser ästhetischen Erziehung“, bedauert der Künstler, der seit 1980 als Dozent an der Pädagogischen Hochschule Schwäbisch Gmünd sein Credo von der Ökonomie der Mittel gelehrt hat. Von der Ästhetik der richtigen Dosierung, die Disziplin und Selbstbeherrschung verlangt. Letztlich steht diese Ästhetik im Dienst einer Kunst, von der Albrecht Vogel ganz fest überzeugt war, dass sie eine geistige Tätigkeit sei.

     Albrecht Vogel war – gleichwohl – ein Handwerker. Im Dienst der Kunst. „Ursprünglich wollte der Bub Ingenieur werden“, hat er im Gespräch verraten. Bevor er sein Studium an der Gmünder PH aufnahm, das er an der Stuttgarter Kunstakademie fortgesetzt hat, absolvierte er ein Praktikum als Werkzeugmacher. Später hat er ein altes Motorrad zusammengeschraubt, eine alte Limousine und Möbel restauriert und sich bei Bedarf sein Werkzeug selbst gebaut. Notgedrungen auch. Weil die einst so weit verbreitete Kunst des Radierens zu einer Randdisziplin geworden war, produzierte kaum noch jemand die Gerätschaften dafür. Sie erfordert, wie erwähnt, Beherrschung des Handwerks, Geduld und Beharrlichkeit, um im Kampf mit dem Material zu überzeugenden Lösungen zu finden. Tugenden, über die dieser vielseitige Künstler in reichem Maße verfügt hat.

     Nicht von ungefähr grüßt von der Stirnwand in Vogels Atelier in Heubach eine kleine Vignette mit der Aufschrift: „Ritter der Radiernadel und des holländischen Ätzwassers.“ Seine Frau Marie-Jeanne hat diesen lichten Raum mit seinem geordneten Chaos ebenso unberührt gelassen, wie seine mit diversen Geräten, Werkzeugen und Maschinen voll gestopfte Werkstatt. Man hat das Gefühl, gleich werde sich eine Tür öffnen, Albrecht Vogel eintreten und in seinem ganz persönlichen „Zwischenbereich“ die gerade an der Staffelei oder der Werkbank begonnene Arbeit fortsetzen. Orte eines Alleskönners. Albrecht Vogel würde diese Bezeichnung zurückweisen. Sie stimmt dennoch.   

Austernkisten am Strand der Bretagne als Radierung.

    Dieser Mann, dem die Welt nie genug war, hat Eindrücke aufgesaugt wie ein Schwamm das Wasser. Ein Prozess, der von außen nach innen verläuft. Die Vogelfluglinie seiner Reiseimpressionen – ob radiert oder gezeichnet – reicht von den äußeren Hebriden im stürmischen Atlantik bei Schottland bis ins Land, wo die Zitronen blühen. Das Raue und das Süße, die Kälte und die Wärme, die extreme Herausforderung und das Bad der Sinne verbinden sich in seinen Erfahrungen. Und war sein Wahrnehmungsspeicher vollgesogen, vollzog sich die Metamorphose. Die Eindrücke drängten nach draußen. Allerdings in völlig vergeistigter Form; abstrahiert, als Essenz. Der Dichter Friedrich Hölderlin hat diesen Prozess so beschrieben: „Lern im Leben die Kunst, im Kunstwerk lerne das Leben.“

    Zwar hat Albrecht Vogel betont, was ihn mehr interessiere als die Motive seien Fragen der Bildlösung wie das Verhältnis von Raum und Fläche, die Perspektive, der Rhythmus eines Blattes. Zugleich sind seine Arbeiten, ob in der Fläche oder im Raum, jedoch der ständige Versuch, etwas über sich selbst herauszufinden. Der Frage nachzugehen, „Was ist für mich wichtig? Wo stehe ich?“ Mit höchster Intensität hat er in seinem künstlerischen Schaffen nach Antworten gesucht. Intensität als Haltung. Allgemein gesagt: Je intensiver sich jemand mit etwas auseinandersetzt, umso näher kommt er dem Gegenstand. Konkret für den Künstler heißt das, je leidenschaftlicher er sich um die Formgebung bemüht, umso mehr wird sie sein Eigenes, wird „stimmig“. Albrecht Vogel hat Intensität mit Qualität gleichgesetzt.

Vogels Hände haben Alltägliches in Kunst verwandelt, in diesem Fall Austernkisten in eine Skulptur.

   Albrecht Vogel, der am 9. Juni 2016 70 geworden wäre, hat mir vor zehn Jahren verraten: „Inzwischen kann ich geduldiger horchen.“ Vielleicht hat er deshalb die Mühe auf sich genommen, bei der Gmünder Innungsobermeisterin Doris Raymann-Nowak einen Kurs im Silberschmieden zu belegen.  Sie hat den Perfektionisten nochmals Perfektion gelehrt, wie er in einer Vernissagerede zu einer Ausstellung Raymann-Nowaks verraten hat. In Umkehrung des Sprichwortes hat er erkannt, dass für ihn Silber Schweigen ist. „Ihn hat jedes Gewerk interessiert“, kommentiert seine Frau Marie-Jeanne. Bis zum Schluss. Die Hände in den Schoß legen, aufgeben womöglich, das war keine Option im Selbstverständnis des Albrecht Vogel. Ein Blick auf sein Werk zeigt, warum.

Auch als Silberschmied hat er nach Perfektion gestrebt.

      Seine Bildmetaphern changieren immer wieder zwischen Schein und Sein. Irgendwo dazwischen eben. Womit wir bei der Suche nach dem ideellen Potenzial, das die Nadel oder den Zeichenstift vorwärts treibt – oder in den zum ersten Mal in seiner letzten Schau präsentierten plastischen Aneignungen von Welt  bestechende ästhetische Lösungen findet – bei der Ironie als Wesensmerkmal angekommen wären. In der Sprache ist es die Möglichkeit, einen Sachverhalt zu verkleiden, ihn nicht direkt zu sagen – mit seiner situativen Mehrdeutigkeit zu spielen. In der Kunst, in Albrecht Vogels Kunst, erleben wir Ironie als Mehrschichtigkeit, als Durchdringung unterschiedlicher Wahrnehmungsebenen.

    1967 hatte er sich mit der Radierung eines Wichtels, der sich mit einem schweren Sack abmüht, programmatisch auf den Kunst-Weg gemacht. Zur Ausstellung im Kunstverein hatte sich dieser Sack auf einer Radierung in einen „Günstigen Geschenkkarton“ verwandelt, aus dem statt Kinderspielzeug allerlei sperriger Krimskrams purzelt. Albrecht Vogels sarkastisch verschlüsselter Kommentar zum Zustand der Welt.

   Es ist sein skeptischer Blick, der das Innere nach Außen kehrt und im Äußeren historische und menschliche Erfahrung reflektiert. Und diese ausgräbt aus dem widerständigen Metall mit der tief schürfenden Stahlnadel, um sie im Druck zu manifestieren. Als Rätsel, deren Lösung wir in uns selbst suchen müssen. Das ist sein Vermächtnis – und unsere Verpflichtung. Dieser Berserker hat nicht aufgehört zu arbeiten, bis zum Schluss. Seine Skizzenbücher enden mit der Nummer 93. Die letzte Zeichnung darin datiert vom 4. Januar 2016. Da lag er schon – endgültig – im Krankenhaus. Wenige Tage später musste auch dieser großartige Lebens-Künstler seine Mittel in andere Hände übergeben.

                                         John Wolf

Es war lange nicht alles vorbei als 1535 das Kloster Lorch durch den württembergischen Herzog Ulrich aufgelöst wurde. Damals durften einige Mönche im Lorcher Kloster bleiben. Ein paar Jahre wenigstens. Das Amt des Abtes aber blieb auf Dauer erhalten  – bis 1817. Also auch nachdem sich das Herzogtum Württemberg der Reformation von Martin Luther angeschlossen hatte und der Herzog die Männerklöster im Territorium aufgelöst und in höhere Schulen umgewandelt gab es Klostervorsteher.

 
Titel und Amt waren durchaus begehrt. Denn dem Abt von Lorch standen Erträge aus dem Klosterbesitz zu. Das war zunächst eine Form, wie im armen Herzogtum wichtige Personen der Landes- und der nun evangelischen Kirchenverwaltung zu einer besseren Entlohnung kommen konnten. Im 18. Jahrhundert wurde es üblich, dass auch gut besoldete Theologen und Inhaber kirchlicher Spitzenämtern mit dem Abtstitel zusätzliche Einnahmen generieren konnten. Bekanntes Beispiel dafür ist Johann Albrecht Bengel (1687 – 1752). Der „Vater der württembergischen Frömmigkeit“ war nicht nur Lehrer im einstigen Kloster Denkendorf sondern zugleich Prälat von Herbrechtingen und Abt von Alpirsbach.

In Lorch wurde Christoph Matthäus Pfaff (1686 – 1760) im Jahr 1720 Abt. Da war er bereits ein führender Theologieprofessor an der Universität Tübingen und wurde wenig später deren Kanzler. Walter Jens nennt Pfaff in seiner „Geschichte der Universität Tübingen“ „einen der mächtigsten Männer in der Geschichte der Alma Mater Tubingensis“. Der Theologe Pfaff bemühte sich um eine Annäherung der verschiedenen theologischen Strömungen seiner Zeit. Als nützliches Mittel dazu sah er es an, eine Bibel zu veröffentlichen, die nicht nur den Text der Übersetzung von Martin Luther enthält, wie es die orthodoxen Theologen verlangten. Dem aufkommenden Pietismus entsprach Pfaff in seiner Bibel mit kurzen Zusammenfassungen nach jedem Kapitel des biblischen Textes. Dazuhin findet sich in der Pfaff-Bibel zu jedem Abschnitt auch ein Gebet. So soll das Gelesene auf die Frömmigkeit und Alltagspraxis bezogen werden und Moral aus Einsicht der Vernunft gefördert werden. Den Forderungen nach wissenschaftlicher Beschäftigung mit den Inhalten der Heiligen Schrift kommt Pfaff damit nach, dass zum  eigentlichen Text der Bibel fast lexikalisch anmutende Beiträge zum historischen Verlauf; Listen von parallelen Bibelstellen, Worterklärungen und jüdischen Gebräuchen beigefügt. Eine ganze Reihe von meisterhaft ausgeführten Bildern veranschaulichen den Inhalt.
Pfaffs Bibel war die erste, die in Württemberg gedruckt werden konnte. Das liegt daran, dass Württemberg bis ins 19. Jahrhundert als wirtschaftlich armes Land galt. Druck und Verlag von großformatigen Vollbibeln (Altes und Neues Testament) war aus finanziellen Gründen im Herzogtum nicht möglich. Erst Mitte des 17. Jahrhunderts konnte Buchdruckerfamilie Cotta, zunächst in Tübingen und dann in Stuttgart den Druck und den Verlag einer inhaltlich und technisch qualitativ hochwertigen Buchkultur aufbauen. Bis dahin waren die Bibeln in der Übersetzung von Martin Luther in den reichen Reichsstädten gedruckt worden. 1729 erschien bei Cotta die erste Auflage der von Christoph Matthäus Pfaff verantworteten Bibel, ein Jahr später folgte bereits eine zweite Auflage.  

Der Freundeskreis Kloster Lorch konnte im vergangenen Jahr ein Exemplar dieser bei Cotta gedruckten Bibel erwerben. Inzwischen wurde das beschädigte Exemplar bei einem Buch- und Papierrestaurator saniert. Dieses Exemplar wird im Refektorium des Klosters Lorch in Lorch öffentlich präsentiert am 31. Oktober 2016, 18 Uhr. Dabei erläutert Dr. Eberhard Zwink in einem Vortrag Entstehung und Bedeutung der Bibel. Josef Müller, Arzt in Lorch  und das kammermusikalische Ensemble „Il canto figurato, Ulm“, spielen Musik aus der Entstehungszeit der Bibel. Vom 1. November an ist die Pfaff-Bibel dann in der Lorcher Klosterkirche ausgestellt.
 

Bilderläuterungen:
Bild 1201 Titelblatt der so genannten Pfaff-Bibel:
Die ganze Heilige Schrift Alten und Neuen Testaments, nach der Übersetzung und mit den vorreden und Randglossen D. Martin Luthers, mit neuen Vorreden, Summarien, weitläufigen Parallelen, Anmerkungen und geistlichen Anwendungen, auch Gebeten auf jedes Capitel: Wobei zugleich nötige Register und eine Harmonie des Neuen ‚Testamentsbeigefüget sind. Ausgefertigt unter der Aufsicht und Direktion Christoph Mattäi Pfaffen, der Heiligen Schrift Doktoren, Professorn, Canzlern und Probsten zu Tübingen und Abten des Closters Lorch.  
Mit Censur des Hochfürstlich württembergischen Consistorii und Löbl. Theologischer Fakultät zu Tübinen und Allergnädigsten Privilegiis.
Tübingen verlegt und gedruckt von Johann Georg und Christian Gottfried Cotta im Jahr Christi 1729.   
Bild 1219: Doppelseite mit einer Darstellung von Jerusalem und jüdischer Heiligtümer.  
Bild 1212: Seite aus dem Alten Testament Buch Hiob mit „Nutzanwendung“ und „Gebet“ am Ende eines jeden Textabschnitts.

Hermann Bausinger hat es als „eine Großtat dieser Stadt“ gerühmt, dass sie wenige Jahre nach dem Ende des 2. Weltkriegs und der Naziherrschaft den Schubart-Literaturpreis gestiftet hat. Und das mit einem OB Schübel, der selbst im 3. Reich eine unrühmliche Rolle gespielt hatte. Aber so kurz nach dem Kriege hatte das öffentliche Bewusstsein noch keinen Sinn für solche Ungereimtheiten entwickelt. Bei der ersten Sitzung 1956 war er noch nicht dabei, wie sich Bausinger erinnert, aber seit 1962 hat er im Preisgericht mitgewirkt.   

Zwei Jahre zuvor hatte er im zarten Alter von 34 Jahren bereits den Lehrstuhl für Volkskunde an der Universität Tübingen erhalten. Der junge Wissenschaftler hat dafür gesorgt, dass frischer Wind den Muff unter den Talaren vertrieben hat. „Die Modernisierung der Begrifflichkeit und die Berücksichtigung von theoretischen Ansätzen aus Nachbarwissenschaften hat die Volkskunde aus ihrem folkloristischen Ghetto herausgeführt und sie zu einer ‚empirischen Kulturwissenschaft’ transformiert“,  schrieb ein Laudator zum Siebzigsten des langjährigen Vordenkers im Ludwig-Uhland-Institut der Uni Tübingen.      

Vermutlich kommt diese Parallele nicht von ungefähr: In seinen Anfängen war der Schubartpreis stark auf die regionale Forschung konzentriert. Landschaft und Geschichte der Stadt Aalen und ihres Umlandes spielten eine wichtige Rolle in den zu jener Zeit noch auf eine Ausschreibung hin eingesandten Beiträgen. Vom Gedicht über Schubart, wie er in seinem Kerker saß bis zu Romanen im Geiste des einstigen aufsässigen Poltergeistes. Ende der Siebzigerjahre wurde zur Aufwertung des Preises in den Statuten festgelegt, dass das Preisgericht selbst Autoren vorschlagen kann.   

In der Folge wurde die Zielrichtung noch stärker auf das geistige Erbe Schubarts ausgerichtet, zu dem auch dessen journalistische Dimension zählt. Beispielsweise wurde der Publizist und Romancier Ralph Giordano  zusammen mit dem Nestor der regionalen Kulturgeschichtsschreibung, Prof. Dr. Hermann Baumhauer ausgezeichnet. Nicht zuletzt wegen dieser Preisverleihung hatte sich Giordano, der im Dezember 2014 gestorben ist, dann intensiv mit der Gestalt Schubarts beschäftigt, wie sich Bausinger erinnert.  

Gab es für Hermann Bausinger ein Leben nach dem Schubart-Preisgericht? Eigentlich war er ganz froh, dass er jetzt „nirgends mehr dabei ist“. Denn das Feld, das er beackert, ist wahrlich ein weites. Schließlich erfüllt er idealtypisch die Forderung, die einst der Pfarrer und Schriftsteller Johann Peter Hebel an einen Leiter des „Badischen Landkalenders“ gestellt hat, den er selbst viele Jahre geprägt hat: Dieses Geschäft solle an eine Persönlichkeit übertragen werden, die „beobachtend mit und unter dem Volke lebt“.

Nachzulesen in Bausingers – natürlich – espritvoller, verständlicher Essaysammlung über badische und schwäbische geistliche Literaten „Seelsorger und Leibsorger“. Dort findet sich auch ein Zitat von Friedrich Nietzsche, der die Ärzte – mit einem Seitenhieb auf „die geistlichen Ärzte“, denen ein Gebildeter aus dem Wege gehe – als Seelsorger in die Pflicht genommen hat. Sie müssten „eine Beredsamkeit haben, die sich jedem Individuum anpasst und ihm das Herz aus dem Leibe zieht“. Ins Heute übersetzt könnte man sagen „das Herz öffnet“.   

Zu seinem 90. Geburtstag ist der jeden Preis werte Germanist, Kulturwissenschaftler und begnadete Erzähler von der angeblich rauen Ostalb mit dem Europäischen Märchenpreis ausgezeichnet worden. Seine Fangemeinde und sich selbst hat der unermüdliche Forscher, der nach wie vor häufig in „seinem“ Ludwig-Uhland-Institut in Tübingen anzutreffen mit einem in jeder Hinsicht ihm gemäßen Werk beschenkt: „Eine schwäbische Literaturgeschichte“. Hoffentlich bleibt uns dieser hoch gebildete, charmante, feine Land-und Leute-Kenner noch lange erhalten.                    John Wolf