Rückblick: Der Kommandant der Flak-Batterie oberhalb des kleinen Dorfes bei Heidelberg bleibt spät im April 1945 noch unerbittlich. Sollten die da unten die Kirchenglocken läuten lassen, um der anrückenden US-Division Friedenssehnsucht zu signalisieren, würde er die Rohre seines Geschützes nicht mehr nach oben, sondern nach unten richten – und feuern. Was er zum Entsetzen der Dorfbewohner auch tat. Wie viele andere dieser Kriegsverbrecher wurde er nicht bestraft. Stattdessen hat er wenige Jahre später seinen Dienst als Hauptkommissar in Stuttgart angetreten, wie SWR2 dieser Tage erinnert hat.

   Jenem furchtbaren Marinerichter ähnlich, der dort von 1966 bis 1978 als Ministerpräsident in Amt und Würden gewesen ist. Ein Dramatiker hat Hans Filbinger, dem der SPD-Politiker Erhard Eppler ein „pathologisch gutes Gewissen“ attestierte, dann zu Fall gebracht – Rolf Hochhuth. Literatur ist mitunter doch wirkmächtig. Unter Despoten kann sie sich allerdings gegen den Urheber richten, wie das Schicksal eines Bruders im Geiste von Hochhuth, Christian Friedrich Daniel Schubart lehrt. Dem Journalisten, Dichter und Musiker, der in Aalen aufgewachsen ist, brachte seine Kritik an Württembergs Herzog Carl Eugen zehn Jahre Haft in der „Fürstengruft“ auf dem Hohenasperg ein. 

    Ob Stuttgart nun ein gutes Pflaster für ehemalige Nazis und andere Kriegsverbrecher gewesen ist, um nach dem Kriege Karriere zu machen, sei dahingestellt. Fakt ist jedoch, dass sich in der Landeshauptstadt die Zentrale der Gestapo für Württemberg und Hohenzollern befunden hat. Im „Hotel Silber“. Einst ein Wirtshaus „Zum Bayrischen Hof“, hat es 1873 ein Heinrich Silber erworben und erweitert. 1903 ist hier der ADAC (zunächst als Deutsche Motorradfahrer-Vereinigung) aus der Taufe gehoben worden. 1910 hat es die württembergische Staatsfinanzverwaltung gekauft. Von 1919 bis 1928 hat das Gebäude die Oberpostdirektion beherbergt, bevor die Politische Polizei und das Polizeipräsidium und 1933 die Schergen der Geheimen Staatspolizei eingezogen sind.

Ein nachdenklicher Blick in das Gedenkbuch mit den Namen der verfolgten Abgeordneten, das im Landtag in Stuttgart aufgelegt ist.    (Foto: -uss)

    Heute erinnert eine Dauerausstellung an die für so viele Menschen leidvolle Geschichte. Im Flyer lesen wir: „Hier im ‚Hotel Silber‘ berichteten bereits in der Weimarer Republik Polizeispitzel über Staatsfeinde und politische Störenfriede – und wen sie dafür hielten. Hier unterschrieben Gestapoleute Erlasse, die für Tausende von Menschen in Württemberg und Hohenzollern Überwachung, Verfolgung, Verschleppung und Tod bedeuteten. Hier arbeiteten nach der NS-Zeit ehemalige Verfolgte und Verfolger Tür an Tür zusammen.“ Mit Sicherheit wäre Schubart in der NS-Zeit dort verhört, inhaftiert und möglicherweise in einer der Kerkerzellen im Keller ermordet worden.

    Einer Initiative zahlreicher Organisationen, darunter der Verein „Gegen Vergessen – für Demokratie“ mit dem ehemaligen Landtagsvizepräsidenten Dr. Alfred Geisel als Vorsitzendem des Sprechergremiums der Regionalgruppe Baden-Württemberg, hat sich für den Erhalt des zum Abbruch vorgesehenen Gebäudes im Herzen der Stadt und für dessen Nutzung als Lern- und Gedenkort unter Federführung des Hauses der Geschichte eingesetzt. Der Besuch lohnt sich in mehrfacher Hinsicht. Das Innere ist in der ersten Etage unverändert geblieben mit seiner bedrückenden Amtsstubenenge, in der dennoch genügend Platz bleibt für die vielen erhellenden Exponate, meist schriftliche Zeugnisse.

    Mord im Ellwanger Hinterland

   Auf der Landkarte des physischen Terrors erkennt man, dass der Arm der Gestapo bis in die hintersten Winkel des Landes gereicht hat. So erfährt man, dass im Ellwanger Hinterland bei Ellenberg 1942 ein französischer Kriegsgefangener und Zwangsarbeiter hingerichtet worden ist.  In der ehemaligen Oberamtsstadt Ellwangen befand sich von 1934 bis 1943 im Gebäude Marktplatz 2 eine Außendienststelle der Gestapo, deren Leiter von 1938 bis 1943 Christof Dick gewesen ist. Er wechselte dann nach Ulm. 

    Ins Visier der Nazis sind nicht nur Juden, Homosexuelle, Sinti und Roma geraten, sondern auch politische und religiöse Gegner, die Kritik an der NS-Regierung geübt haben. Ein Gedenkbuch im Landtag erinnert an 329 Abgeordnete, „die für ihre Überzeugung, ihren freien Geist und ihren aufrechten Gang gelitten oder sogar ihr Leben gelassen haben“, wie die Präsidentin des Landtags, Muhterem Aras bei dessen Vorstellung am 20. März 2019 formuliert hat. Umso empörender ist die Tatsache, dass ein anderer furchtbarer Richter, der Vorsitzendes des Sondergerichts Stuttgart, der Senatspräsident Hermann Cuhorst – verantwortlich für rund 100 Todesurteile zwischen 1937 und 1944 – nach dem Krieg nicht zur Rechenschaft gezogen worden ist. „Viele Mitglieder des Sondergerichts Stuttgart machten ab 1950 wieder Karriere im Justizdienst“, stellt der Prospekt zur Dauerausstellung „NS-Justiz in Stuttgart“ im Landgericht der Landeshauptstadt lapidar fest. Justitias Binde war über dem rechten Auge offenkundig besonders dick. Das erklärt viele der milden Urteile im Zuge der Entnazifizierung. Eine Krähe hackt der anderen kein Auge aus, wie der Volksmund weiß. 

   Womit wir wieder bei dem Flak-Kommandeur angekommen wären, der in Stuttgart als Hauptkommissar Karriere gemacht hat. Man darf vermuten, dass er im „Hotel Silber“ Seite an Seite mit den wenigen Kollegen gesessen hat, die keinen Dreck am Stecken hatten.

   Info: Aufgrund der aktuellen Lage rund um das Corona-Virus sind alle öffentlichen Veranstaltungen einschließlich der öffentlichen Führungen zunächst bis Ende Mai 2020 abgesagt worden. Mehr Informationen unter www.geschichtsort-hotel-silber.de Zumindest virtuell kann man das Hotel durchstreifen.

Wolfgang Nußbaumer

   Mit von der Partie ist wieder die Galerie Zaiß aus Aalen mit ihren üblichen und gerne verfolgten „Verdächtigen“. Vorneweg das Elsässer Urgestein Raymond E. Waydelich. Mit seinen 81 Jahren ist er vital wie eh und je. Wer den Messestand betritt, in dem Sigi Zaiß die so unterschiedlichen künstlerischen Positionen klar gegliedert präsentiert, wird unweigerlich mit einer Art Kampfschwein und einem nicht minder possierlichen Hund konfrontiert, der nach einer Wurst schnappt. Im Geiste verwandt ist Waydelich der Ludwigsburger Werner Lehmann, der mit seinen sinnlich-sinnigen bis herrlich frechen „Narrenschiffen“ aus gebranntem Ton, hinreißender Malerei und treffsicheren Zeichnungen seit 2005 durch Zaiß auf der art Karlsruhe vertreten wird.

   Den Gegenpol zu den temperamentvollen Gegenständlichen, zu denen auch der Kraftmaler Marc Felten aus Straßburg zählt, bilden Hannelore Weitbrecht mit ihren filigranen Papierobjekten, Michel Cornu mit seinen feinen Abstraktionen auf Papier und Norbert Klaus, der seinen Reisigbündeln Stahlplastikern und Papierprägeobjekte hinzugefügt hat.

   Mit der jungen südkoreanischen Künstlerin Dahae Seung, die an der Karlsruher Kunstakademie mit Schwerpunkt Skulptur studiert hat, hält bei Zaiß modernste Drucktechnik Einzug. Das mit einem 3-D-Drucker erzeugte Objekt in einem Glaskubus gewinnt auf den ersten Blick durch seine ästhetische Ausgewogenheit; auf den zweiten erkennt man ein Gehirn, das auf einem Rückgrat ruht. Der Titel „Descartes“ verweist auf den französischen Philosophen und Naturwissenschaftler und dessen Diktum „Ich denke, also bin ich“. Seung geht es um die Frage nach der Identität des Menschen. Sie korreliert mit der kunstphilosophischen Überlegung, die einst Hans Platschek formuliert hat: „Die Frage bleibt immer, warum jemand ein Bild macht.“

     Das fragt man sich beim Gang durch die vier Hallen in der Tat manchmal. Wobei der Begriff Bild für alle Darstellungsformen steht. Man sieht viel alten Wein in neuen Schläuchen und umgekehrt. Die Kunst reflektiert sich selbst, das heißt in diesem Falle, sie kreist um sich selbst. Eine Nabelschau des häufig Gleichen. Da bilden die Künstlerinnen und Künstler aus anderen Nationen bei dem – zu Teilen – Festival der Augenwischerei keine Ausnahme.

     „Die art Karlsruhe überzeugt mit ihrem Profil und uns geht es nicht um Spekulation, nicht darum, den Markt anzuheizen, sondern um die Vermittlung besonderer Werte“, mit diesen Worten hat die Geschäftsführerin der Messe Karlsruhe, Britta Wirtz, die 17. Ausgabe der Verkaufsausstellung eröffnet. Oberbürgermeister Dr. Frank Mentrup ergänzt: „Die Massen strömen jedes Jahr zur Kunstmesse, ohne dass es eine Massenveranstaltung ist.“ Kurator Ewald Karl Schrade betont: „Kunst hat an Popularität gewonnen, hat aber bis heute eine breite Streuung nötig.“ Dieser Aufgabe hat sich Schrade mit großem Aufwand wieder gestellt.

     Die Sonderausstellung der Stiftung Hans-Peter Haas – Serigraphien großer Meister von Ackermann bis Vasarely zeigt, wie der Siebdrucker Hans-Peter Haas (HPH) mit sicherem Blick eine Sammlung druckgrafischer Werke aufgebaut hat, aus der auf rund 100 Werke gezeigt werden. In direkter Nähe zur Sonderschau Druckgrafik, die 2020 bereits zum vierten Mal stattfindet und für die aus Einreichungen der ausstellenden Galeristen Werke juriert und angeboten werden.

          Künstlerinnen im Fokus

      2020 zeigen die ausstellenden Galerien vermehrt weibliche Positionen: Arbeiten von bedeutenden Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, die zwar Kunstgeschichte mitgeschrieben haben, doch jahrzehntelang von den Museen und teils auch vom Kunsthandel vernachlässigt wurden. Das gilt beispielsweise für die Malerin Lotte Laserstein, die beim erstmals ausstellenden Galeristen Dr. Michel Nöth (Ansbach) im Programm ist oder auch für die Bildhauerin Renée Sintenis, vertreten von der Galerie Ludorff (Düsseldorf). 

    Für Werke der klassischen Moderne haben sich wieder viele Galeristen entschieden, so dass diese Kunst-Epoche insgesamt stark vertreten ist. Von Lovis Corinth über Max Ernst bis zu Pablo Picasso. Mit den entsprechenden Preisen. Einen weiteren Schwerpunkt bilden Arbeiten der Zero-Bewegung. Allein Heinz Mack und Otto Piene stehen im Fokus von jeweils acht bis zehn Ausstellern. Im Bereich der Gegenwartskunst wird ebenfalls höchste Qualität gezeigt. Viele amerikanische Künstler sind diesmal vertreten, beispielsweise Christo, Julian Schnabel, Cindy Sherman und Richard Serra. Auch Werke der Pop-Artisten stehen zur Verfügung, ob Roy Lichtenstein oder Robert Rauschenberg oder James Rosenquist. Sieben Galerien zeigen Werke von Andy Warhol. 

     Größtes Sammler-Interesse werden einmal mehr die Bilder von Gerhard Richter finden. Sicher auch die Werke von Georg Baselitz, Miriam Cahn, Katharina Grosse, Jürgen Klauke oder Karin Kneffel.

   Info: Die Kunstmesse ist bis einschließlich Sonntag täglich von 11 bis 19 Uhr geöffnet. Weiteres unter www.art-karlsruhe.de

Wolfgang Nußbaumer/pm

     Ein Hüne im fortgeschrittenen Alter mit Goldring im Ohr und Silberknauf am Stock schreitet mit einem Kometenschweif von interessiert schauenden Menschen im Schlepptau durch die Halle 3. Verhält hier kurz, blickt missbilligend, geht weiter, winkt ab. Der kennt sich wohl aus? Ein Galerist knurrt, als der Pulk vorbei ist, „arroganter Sack“. Gemeint ist der Kunstgroßmeister Prof. Markus Lüpertz. Kurz  vor dem Zaiß-Stand biegt er ab. Glück gehabt?

Ssigi und Werner Zaiß vor Lehmann-Bildern

    Nein, vor Lüpertz muss sich die Kunstschau von der Ostalb nicht verstecken. Raymond E. Waydelich, der große Elsässer, der dieses Jahr 80 wird, hat einige seiner alten Bildkästen aus den Siebzigerjahren mitgebracht und ganz neue Arbeiten – gelaserte Venylschallplatten, die wie Scherenschnitte wirken. Eingepasst in einen barocken Rahmen fallen sie aus der Zeit. Mit dabei sind wieder der rot-knallige Marc Felten, Klaus Joas mit sehr ästhetischen Leuchtinstallationen, Michel Cornu, der in Frankreich richtig durchstartet, Jochen Wahl, Hannelore Weitbrecht, Tetsuya Kuzuhara, Norbert Klaus und die Spottdrossel Werner Lehmann. Beziehungsreich gehängt, bereitet der Besuch bei Zaiß wieder viel Sehfreude.

    Der Hingucker schlechthin bei der Präsentation von Cyprian Brenner in Halle 2 ist der Skulpturenplatz mit den aus geometrischen und pflanzlichen Formen komponierten großen Plastiken. In ihrer stillen Würde erinnern sie an einen Wald – nur erweist sich das Holz als Cortenstahl. Die Riesen korrespondieren mit einem anderen Monument –  „1000 Berge“ von Felix Rehfeld. Tausend Miniaturen hat er in Öl gemalt. 100 Motive in jeweils zehn Variationen. Ein Wunderwerk an Fleiß, Können und reiner Schönheit.

Mit feiner Ironie bringt Mirko Schallenberg die Welt aus dem Gleichgewicht: „Korn“, 2010, Öl auf Leinwand

   Biegt man um die Ecke, überfällt einen im Standsystem der politisch pointierte narrative Überschwang des Stipendiaten Robert Matthes. Was er alles kombiniert und frech zitiert, lässt sich kaum beschreiben. Mit ähnlichen Überraschungen, allerdings weitaus ruhigeren, wartet Mirko Schallenberg mit seinen paradox verrätselten hyperrealistischen Malereien auf. Bei ihm scheint alles auf der Kippe zu stehen. Man möchte vor seinen Bildern nicht laut auftreten. Die Maler Isa Dahl und Bruno Kurz, der seine dezente Suche nach der Farbmaterialität weitertreibt, haben neben Rehfeld eine One-Artist-Show.

Info: Die artKarlsruhe ist täglich von 11-19 Uhr geöffnet.

Wolfgang Nußbaumer

Bohei? Wir sehen die Malerei von Pirmin Lang und grübeln: Was haben diese Bilder mit einem Bohei zu tun? Nichts Wildes, nichts Aufgepfropftes, nichts Aufgeplustertes. Pirmin Langs Bilderwelt scheint eher ruhig nach innen zu blicken, als sich zu extemporieren. „Der Titel hat ja auch nicht direkt etwas mit der Ausstellung zu tun“, räumt er ein. Nicht direkt. Also indirekt? Mit einem Augenzwinkern gibt er zu verstehen: Bohei sei einfach ein schönes Wort. Nun könnte ich sagen, trau keinem Wort eines bildenden Künstlers. Denn deren Profession ist ja zu bilden und nicht zu reden. Dann meint er noch, er sei kein Bohei-Typ.

    Es ist an der Zeit, diesem Begriff Bohei auf den Grund zu gehen. Remidemmi ist darin enthalten, großes Tamtam, auch viel Lärm um nichts. Über die etymologischen Wurzeln streiten sich die Geister. Mit hoher Wahrscheinlichkeit kommt das Wort aus dem Hebräischen oder Jiddischen. 

    Schönes Wort? Viel Lärm um nichts? Pirmin Lang, der sich selbst für keinen Bohei-Typ hält, schätzt offensichtlich das Versteckspiel. Wie viele Künstler, die sich im Feld des magischen Realismus bewegen. Gegen diese Einordnung hat er nichts einzuwenden. In diese kunsthistorische „Schublade“ ist er nahezu zwangsläufig geraten. Ihn interessiert vor allem der Weg zum Bild, dessen Entstehung, der Prozess an sich. Sein Thema ist also nicht der horror vacui, die Angst vor der leeren Leinwand. Denn dann müsste er permanent sich selbst erforschen, mit jedem Bild. Deshalb greift Pirmin Lang auf vorhandenes Bildmaterial zurück. Er findet es in seiner Fantasie, in seinen Erinnerungen, in Publikationen oder im eigenen Fotoarchiv.

    So weit, so gut. Aus diesem Fundus schöpfend, ergibt sich rasch eine konkrete Bildidee. Und damit die Entscheidung, sich auf deren Ausführung festzulegen. Im Kopflabor arbeiten die grauen Zellen im Akkord. Taugt die Vorgabe dazu, sie künstlerisch zu überhöhen – oder sollte man die Finger davon lassen. Wenn ich Pirmin Lang richtig verstanden habe, ist er ein Meister im Verwerfen.

Er gehört zum kulturpolitischen Urgestein Ellwangens: Helmut Rieger im Gespräch mit Frau Hilsenbek.

    Zu Beginn seiner Bildforschung hat er es mit ganz exakter Planung versucht. Exakte Planung bedeutet im kreativen Bereich eben, sich frühzeitig festzulegen. In dieser Sackgasse hat er sich rasch umgedreht und einen Paradigmenwechsel vorgenommen. Am Anfang stand jetzt die Freiheit, die Idee. Tachistisch hat er die Leinwände bearbeitet.  Das war wiederum zu viel der Unwägbarkeiten, des malerischen Zufalls – so es den überhaupt gibt. Der geplante Zufall ist keiner.

      Folgerichtig hat Pirmin Lang keinen Kompromiss, sondern den für ihn goldenen Mittelweg gefunden: Er geht von einer realen Vorstellung aus, ob visuell vorgefunden oder aus dem inneren Bildspeicher abgerufen. Daraus ergibt sich allerdings das bereits genannte Problem, allerdings in abgeschwächter Form: Er legt sich wieder von vornherein fest. Und empfindet als Künstler rasch die Fessel. Dialektisch gesehen, bedingt die Fesselung die Befreiung, den Aufbruch zu neuen Ufern. Bedingt sie, die Unwägbarkeiten zu wagen, die der Schritt ins Ungewisse mit sich bringt, wenn er die Vorlagen verfremdet und uminterpretiert. Vielleicht sind deshalb seine perspektivisch angelegten Bilder voller Rätsel – und Zitaten der Kunstgeschichte. Angesiedelt sind sie auf dem Feld des „Magischen Realismus“. Ein weites Feld.

Der Vorteil des „Magischen“

      Schlägt man im „Lexikon der Kunst“ nach, wird man beim entsprechenden Stichwort gleich zur „Neuen Sachlichkeit“ weiterverwiesen. Eine Zeitlang haben diese beiden in den Zwanzigerjahren des vergangenen Jahrhunderts geprägten Begriffe ein- und denselben künstlerischen Sachverhalt bezeichnet. Wobei der Magische Realismus den Vorteil des Magischen hatte. Der Tiefe, des Rätselhaften, des die Wirklichkeit hinterfragenden und ins Geheimnis weiterschreibenden Prozesses. Deshalb hat er bis heute in der bildenden Kunst (siehe unser leibhaftiges Beispiel) und in der Literatur überlebt (beispielhaft nenne ich Daniel Kehlmann und Patrick Süskind für die deutschen und Isabelle Allende und  Gabriel Garcia Márquez für lateinamerikanischen Schriftsteller).  

     Pirmin Langs Arbeiten sind zwar von magischer Metaphorik geprägt, schreiten jedoch, wie schon erwähnt, die Geschichte der modernen Kunst ab. Cézanne, Matisse, Pierre Roy, die auch von Pirmin Lang geschätzten Francis Bacon und Giorgio Morandi und auf lokaler Ebene der frühe Sieger Köder und der Aalener Kunsterzieher Karl Reich, der von 1901 bis 1981 gelebt hat, fallen einem ein. Aber wie gesagt, Langs Schaffen ist weder epigonal noch kopierend, sondern von einer persönlichen Handschrift geprägt. Sie kennt eine weite Farbpalette und deren differenzierten Einsatz ebenso, wie eine vielfältige Formensprache, die wiederum genuin aus der Farbe lebt.

     Abschließend darf ich aus dem Programmheft „Sommer in der Stadt“ zitieren. Dort lesen wir das Fazit: „So ergeben sich malerisch vielschichtige Bilder, die dem Betrachter die Möglichkeit für eigene Assoziationen bieten wollen.“ Viel Spaß dabei!

Info: Die von der Karl Heinz Knoedler Stiftung ausgerichtete Ausstellung ist bis 20. August jeweils sonntags von 14-17 Uhr sowie nach Vereinbarung mit dem Kulturamt der Stadt Ellwangen Tel. 07961/84207 zu sehen.

Soweit das Spiel mit der Zeit. Auf der Metaebene verweisen ihre Werke auf die Umweltzerstörung, auf den Raubbau an der Natur und ihren Ressourcen. Auf den Kahlschlag, der letztlich die Menschheit beendet. Dann wäre es zu spät für den faustischen Wunsch nach dem Augenblick, der verweilt – und damit zeitlos wird. In ihren Werktiteln gibt die Künstlerin Hilfestellung. Mit „Schneegrenze“ assoziiert man schmelzende Gletscher und steigende Meeresspiegel. Land unter. 

In ihrer Erläuterung zu den Arbeiten jonglierte die auf die Erforschung des Zeitaspekts in der Kunst spezialisierte Kunstwissenschaftlerin Dr. Hannelore Paflik-Huber mit den Metaphern und Symbolen für den unaufhörlichen Fluss der Zeit. Die Erinnerung, das Wachsen und Vergehen, Geschichte, Gegenwart und Zukunft. Und welche Rolle spielt die Kunst dabei? Sie kann „die Zeit umkehren“. Wer sie umkehrt, muss sie zunächst anhalten. Im Kunstwerk, das wiederum in seiner schöpferischen Tradition auf die Vergangenheit verweist – bis es selbst Geschichte wird. Im Idealfall, wie gesagt. Die Schöpfungen von Barbara Karsch-Chaïeb und Gerd Kanz haben das Zeug dazu.

Im Zusammenspiel mit dem archaisch-wuchtigen Duktus der großen Werke seiner Kollegin verleihen speziell die plastischen Arbeiten von Gerd Kanz dieser Ausstellung ihr Flair der Entschleunigung. Geht man vom Raum 1 durch die luftige barocke Zimmerflucht wird es einem zunehmend leichter ums Herz. Man fühlt sich geborgen. Mag es an den üppig farbgesättigten Holzreliefs des gebürtigen Franken liegen, die einem die Begriffe Baum und Wurzel nahelegen, oder an den selbstbewusst hoch ragenden Gittertürmen und einem mit seinen übereinander geschichteten Torformen förmlich aus der Wand heraus dringenden Objekt? Letzteres mit seinem maurischen Duktus könnte allerdings auch die umgekehrte Richtung weisen, hinein in die Wand, die so zum Geheimnisträger wird.

Ähnlich verhält es sich mit seinen Holzarbeiten. Wenn Kanz sich mit seinen Malwerkzeugen in die Schründe und Abgründe des Holzes hineinwühlt, bohrt er nicht nur im Wortsinn dicke Bretter; er dringt bei seiner Schürfarbeit zu den Wurzeln vor, zum Wesen des Wachstums. Back to the roots. Gleichzeitig fördert er zu Tage. In dieser Vorgehensweise gleicht er Barbara Karsch-Chaïeb. Beide verbinden Geschichte und Gegenwart mit einer Mahnung für die Zukunft. Nicht als Menetekel mit dem Holzhammer, sondern auf die feine mitmenschliche Art.

Kein Wunder, dass auch Bürgermeister Volker Grab ins Schwärmen geriet: „Ich find’s richtig klasse, hier durch zu gehen.“ Dem Kunstverein bescheinigte er, Herausragendes zu leisten. Dort wird man seine Ankündigung gerne vernommen haben, dass der Lift im Innenhof noch im Dezember in Betrieb gehen werde. Der 2. Vorsitzende Manfred Baumhakl appellierte einmal mehr an die Stadt, in einer Information auf dem Marktplatz auf die Galerie des Kunstvereins und auf das Schlossmuseum als wichtige kulturelle Institutionen hinzuweisen.

Wolfgang Nußbaumer  

Info: Die Ausstellung „timelessness“ im Schloss ob Ellwangen ist bis 20. August Samstag von 14-17 Uhr sowie Sonn- und Feiertag von 10.30-16.30 Uhr geöffnet. 

     Man darf vermuten, dass die Gene daran nicht ganz schuldlos sind. Sein Vater, der Kunstprofessor und Philosoph Hans Brög, war zusammen mit Barbara Wichelhaus ebenfalls schon beim Kunstverein zu Gast; mit dabei Ralf Brög. Aber das ist schon 16 Jahre her. Jetzt kommt der 50-Jährige als Solist. Was er indes zeigt, hat Orchestercharakter. Digitales und Analoges, Raumkörper und Körper im Raum, Radierungen, Prints aller Art, handgemachte Pinsel-Malerei und computergenerierte, die genauso aussieht.

Ein Soundstudio der besonderen Art. Zwei riesige Schallplatten (Pigmentierter Inkjetdruck auf Papier und auf Alu-Dibond), die sich nicht drehen und eine aufgeklappte Schrankwand, aus der Stimmen und Klänge zu dringen scheinen. 

Staunen ist angesagt – und wundern sollte man sich nicht über Schallplatten an den Wänden. Sie sind riesengroß, echt als Kunstobjekt – und klingen nicht, weil sie sich nicht drehen. Dennoch singt’s und klingt’s und spricht’s aus einer Art aufgeklappter Schrankwand. Diese entpuppt sich im erklärenden Dialog zwischen dem Künstler und dem sich einmal mehr als wandelndes Kunstlexikon offenbarendem Vorsitzenden Artur Elmer als historisches Zitat.

Voller Zitate hängt, steht, tönt diese Ausstellung, voll verfremdeter Hinweise, virtuoser Aneignungen und – Rätsel. Obwohl alles klar auf der Hand liegt, meint Elmer. Wie in der vierteiligen Serie von Radierungen, auf denen Ralf Brög Schamhaare faszinierend präzise perfekt in eine – natürlich – komplexe geometrische Form bringt. Kunst für Mathematiker, an der auch Menschen ihr Vergnügen haben, die gerade noch einen Dreisatz beherrschen.

   Ralf Brög arbeitet gerne seriell, dekliniert ein Thema in Werkgruppen durch, bis es erschöpft ist. Wie die verschiedenen Polyeder, mit deren Oberflächen – sie optisch verändernd – das Licht spielt. Sie ruhen im goldenen Schnitt ganz in sich, sind im Lot, obwohl sie aus der Sicht des Betrachters eigentlich gleich umkippen müssten. Pate stand ein entsprechendes Objekt auf einer Radierung von Albrecht Dürer mit dem Titel „Melancholie“.

ZR_–NIKE heißt dieses Raumobjekt. Man kann es auch als dreidimensionale Zeichnung lesen.

   Ein pures ästhetisches und geistiges Vergnügen bietet die Entdeckungsreise durch Ralf Brögs „Isolation“-C-Prints. In Klassikern der Kunstgeschichte scheinen im Wortsinne Details auf, die dadurch einen ganz besonderen Stellenwert erhalten. Ohnehin spielt die Transformation, also die Umformung im weitesten Sinne, eine entscheidende Rolle in Brögs multimedialem Schaffen. Er impft seine Schöpfungen mit seiner DNA. Signifikant, wegweisend. Und seine Eltern hielten sich bei der Vernissage ganz bescheiden im Hintergrund.

Wolfgang Nußbaumer 

Info: Die Ausstellung ist bis 30. Juli Di-So 10-12 und 14-17 Uhr, Do bis 18 Uhr zu sehen; www.kunstverein-aalen.de

   Diese Steine erzählen vom Morgennebel und vom Herbstwald, vom Spätsommer und vom Winter am Meer, von der Mittagshitze und vom Winterwald, vom Wellentanz und vom Meeresleuchten – vom Frieden auch und von der Besinnung, wohl auf das Wesentliche. Denn darum geht es dem Reisenden Hans-Werner Andexer. „Unterwegs“ nennt der gebürtige Wuppertaler seine 90 Stücke umfassende Blütenlese aus zahlreichen Unternehmungen. Ein anderer Bildtitel bezeichnet vordergründig das Gegenteil – und meint doch dasselbe: „Innehalten“.

      Achtsam muss dieser Künstler ganz offenkundig unterwegs sein; mit dem Geheimnis von Saint-Exupérys kleinem Prinzen im Reisegepäck, das diesem ein Fuchs verraten hat. „Man sieht nur mit dem Herzen gut.“ Dieses wunderbare Märchen hält die Ideale der Menschlichkeit und der Freundschaft hoch – und des pfleglichen Umgangs mit der Welt.

     Vielleicht ist dieser Achtsamkeit, dieser demütigen Sicht auf die belebte und unbelebte Welt, auch die Wahl des malerischen Mittels geschuldet. Der 68-jährige Künstler aquarelliert ausschließlich. Aus Wasserfarben schafft er in Umkehrung des Spruches, wonach steter Tropfen den Stein höhle,  malerische Bauwerke und Stadtlandschaften, Kieselstrände und Felslandschaften; bringt südliche, wärmende Idyllen zu Papier und den herben Charme der kargen Bretagneimpression oder der charakteristischen Bergkegel in der Halong-Bucht im südchinesischen Meer.

    Erstaunlich, was und wie viel Hans-Werner Andexer in die überwiegend kleinen und ganz kleinen Hoch- und Querformate reinpackt. Wobei nichts klein wirkt, weil er dabei noch den Raum sprechen lässt. Ausgerissene Stellen entgrenzen das Geviert des Malgrunds. Er ist ein Meister des Großen im Kleinen. Diese von einer ganz zurückhaltenden Palette bestimmten atmosphärischen Momentaufnahmen gruppieren sich zu einer stillen – und zugleich mahnenden – Feier der Schöpfung.

     Für Vernissageredner Hermann Schludi sind Andexers Reisen und damit seine Bilder geradezu eine Metapher für die Lebensreise des Menschen, während  den Vorsitzenden der Kulturinitiative, Ralf A. Gross, angesichts dieser 14. Ausstellung „das Fernweh packt“.

   „On the beach“ von Chris Rea, das zum Schluss das Trio „ÜberMorgen“ mit der Sängerin Pia Metzker, Björn Franzen, Gitarre und Eddy Cichosz am Schlagzeug angemessen entspannt den zahlreichen Gästen um die Ohren wehte, hat dieses Gefühl sicher verstärkt.

Wolfgang Nußbaumer

Der Fotograf Harald Habermann im Gespräch mit AOK-Chef Bühler.

Bei der Eröffnung vor rund 200 Gästen haben nicht nur der Landrat, sondern auch Bopfingens Bürgermeister Dr. Gunter Bühler und Pflegedirektor Günter Schneider die aufopferungsvolle Arbeit gewürdigt, die dort vom Pflegepersonal und Angehörigen geleistet werde.

So viele Gäste hatte Bürgermeister Gunter Bühler noch nie zu einer Ausstellungseröffnung begrüßen können.

Die Ausstellungseröffnung wurde musikalisch passend umrahmt vom Ensemble „Sinfonica Keltica“, geleitet von Susanne Engel. Die Catering-AG der Realschule Bopfingen hat vorbildlich bewirtet.

Eingeführt in diese ungewöhnliche Ausstellung hat der Kulturjournalist Wolfgang Nußbaumer. Nachfolgend seine Rede.

„Ich erinnere mich noch gut an meinen ersten Besuch in der Wachkoma-Station. Anlass war eine schöne Ausstellung mit üppig bunter Malerei. Fröhliche Arbeiten, Bilder mit Tiefgang, zum Nachdenken. Eine gute Ausstellung gerade an diesem Ort. Die meisten Zimmertüren zu den Patienten standen offen. Sie sollten ja die Chance haben, der Heiterkeit, der Freude teilhaftig zu werden, die in den Fluren herrschte. Denn sie gehören dazu. Mehr noch, sie sind der Grund für alles, was hier im ehemaligen Krankenhaus geschieht. Sie sind der Mittelpunkt. 

     Ich habe die Einladung der offenen Türen angenommen. Mit einem mulmigen Gefühl – gebe ich zu. Welcher Anblick würde mich erwarten. Lässt die Achtung vor dem anderen, dessen Würde, überhaupt einen wie auch immer neugierigen Blick zu – und mag er noch so vorsichtig und behutsam sein. Vorsichtig auch aus Selbstschutz. „Ist dein Verhalten nicht pietätlos?“ schießt es mir durch den Kopf. Doch da stehe ich schon im Zimmer. 

     Harald Habermann hat mir von seinen Fahrten nach Bopfingen erzählt. Und den Fragen, die er sich gestellt hat. Geht das überhaupt? Kann ich mit meinen fotografischen Mitteln den Menschen hier überhaupt auch nur annähernd in ihrem So-Sein gerecht werden? Den Patientinnen und Patienten und denen, die sie so liebevoll pflegen? Der Schlüssel, warum er dieses Wagnis dann doch eingegangen ist, liegt vermutlich gerade in der Erfahrung dieser herzlichen Zuwendung durch die pflegenden Hände. Er hat diese positive Atmosphäre als inneres Leuchten gespürt. Wo Licht ist, steht der Fotograf nicht auf verlorenem Posten. Ein Lichtbildner von der Qualität Habermanns ohnehin nicht.

      Also hat er sich auf die Spurensuche nach dem Licht gemacht. Nach dem Licht, das von innen strahlt und zugleich das Draußen reflektiert. Keine leichte Aufgabe. Manchmal ist er abends unverrichteter Dinge wieder nach Hause gefahren. Kein Licht, nirgendwo. Kein Licht war ihm aufgegangen, keine Idee. Statt Bildern auf dem Chip der Kamera Ratlosigkeit im Kopf. Wer jedoch an diesem Ort aufgibt, sich der Hoffnungslosigkeit hingibt, hat schon verloren. Das Prinzip Hoffnung, das der große Tübinger Philosoph Ernst Bloch beschrieben hat, ist hier die oberste Maxime. Alles andere ist – bitte sehen Sie mir das Pathos nach – alles andere ist Verrat an den Patienten und deren Angehörigen, die Kraft aus der Hoffnung schöpfen. Mit dieser in vielen Stunden in der Wachkoma-Station gewonnenen Erkenntnis ist er am nächsten Tag wieder losgefahren. Auf der Suche nach dem Licht. 

     Manchmal, ganz unvermittelt, streckt einem das Glück die Hand entgegen. Der glückliche Zufall. In einer Vollmondnacht will Habermann einen der mit dem apallischen Syndrom – wie das Wachkoma auch genannt wird – darnieder liegenden Menschen nur mit Hilfe des Mondlichtes fotografieren. Doch der Erdtrabant reflektiert nicht genug Sonnenlicht ins Zimmer. Was tun? Dann bringen wir den Mann doch einfach ins Freie, schlägt der begleitende Nachtdienstler ganz pragmatisch vor. Und schiebt das Bett mit dem Mann hinaus in die laue Sommernacht. Und gleich noch ein paar andere dazu. Hinaus in die von Blumen, Kräutern, dem Duft der Bäume gewürzte Luft. Hinaus in die Natur.

     Jetzt verbünden sich Glück und Können zur Kunst des Fotografen. In diesem Fall ist es der entscheidende Blick. Der den Reflex des Mondlichts auf der Pupille des halb geöffneten Auges wahrnimmt. Diesen Moment, in dem das Auge nicht mehr blicklos wirkt. Ein wenig Licht genügt, um uns diesen Menschen mit dem stark geschädigten Gehirn ganz nahe zu bringen. Wir wissen zwar nach wie vor nicht, ob und was in diesem Kopf vorgeht – aber dieses Leuchten macht ihn ganz lebendig, dieses Licht der Hoffnung, des Lebens. Es schenkt ihm und damit uns den Moment einer schwer zu beschreibenden tief berührenden, kreatürlichen Erhabenheit.  Ein wenig erinnert mich diese Aufnahme an die dunklen Porträts der alten holländischen Meister, in denen das Licht eine entscheidende, weil erhellende Rolle spielt. Sie werden noch weitere Aufnahmen entdecken, auf die diese Beschreibung zutrifft. 

Ungeschminkte Wahrheiten

      Ich möchte allerdings nicht im Detail auf die Bilder dieser Ausstellung eingehen. Sie zeigen ungeschminkte Wahrheiten – das alltägliche Leben auf der Wachkoma-Station. Und weil sie es mit größter Anteilnahme tun, sind sie wahrhaftig. Sie sprechen für sich. Niemand muss auf die Freude und das Leid, die Zuwendung und den Widerstand, auf tiefe Überzeugung und aufkeimende Ratlosigkeit, auf die fröhlichen Momente und jene der Trauer – und auf die nachdenkliche Gelassenheit der Wenigen hinweisen, die ihr Bewusstsein wiederlangt haben.

    Einen Sehhinweis möchte ich dennoch geben: Halten Sie Distanz – dann sehen Sie mehr. Vor allem in den Bildsequenzen. Sonst empfindet man nicht die gebrochene Poesie der Serie, in der die Pflegerin einer älteren Dame eine Rose reicht. Oder das Bemühen des Klinik-Clowns „LaPique“, die Patienten aufzuheitern. Wie mag es in ihm aussehen? Er weiß doch, dass er gar nicht wahrgenommen wird. Tatsächlich weiß „LaPique“ viel mehr – weil sein Kompagnon die Hoffnung ist. Sonst könnte sich der Clown die Kugel geben.       

     Das von mir oben beschriebene Bild transportiert die darin zum Ausdruck kommende kreatürliche Erhabenheit weiter, wenn der Lichtfunke auf der Pupille schon längst erloschen ist. Lassen Sie mich diesen Faden weiterspinnen. Warum soll man diesen Licht-Blick nicht als Zeichen der Dankbarkeit interpretieren für die Zuwendung, die diesen Menschen zuteil wird. Ziemlich sicher ohne Bewusstsein, ohne die Fähigkeit zur Kommunikation, sind sie hilflos – und nur in diesem Sinne ausgeliefert. Wie ein Baby, das auf vertrauensvolle Fürsorge und zärtliche Zuwendung  angewiesen ist. Mit dem Unterschied, dass es mit seinem Lachen, Weinen und zufriedenen Glucksen etwas von dem zurückgeben kann, was es an Wohltat erfahren hat. Wie das Mobile über dem Wickeltisch, lockt auch über dem Patienten in seinem Bett ein buntes Spielzeugband. Auf seine emotionalen Antworten müssen die Pflegerinnen und Pfleger und die Angehörigen, die ebenfalls auf einigen Bildern erscheinen, verzichten – mit der Hoffnung im Herzen und einem Optimismus, der sich nicht unterkriegen lässt. Umso mehr Anerkennung verdient ihr Handeln. Selbstverständlich ist das nicht. 

Humanismus kein Selbstläufer

     Giovanni Malo, Medizinethiker an der Universität Freiburg, hat dieser Tage im Hinblick auf die zunehmende Ökonomisierung im deutschen Gesundheitswesen mahnend festgestellt: „Die Frage nach dem Sinnvollen wird ersetzt durch die nach dem Ertragreichen.“ Diese Wachkoma-Station lohnt sich unter ökonomischen Gesichtspunkten natürlich nicht, obwohl ihre Pflegerinnen und Pfleger systembedingt bei weitem nicht angemessen bezahlt werden. Sie ist jedoch unverzichtbar, weil hier der Mensch in seiner Einmaligkeit geachtet wird. Zugleich ist sie ein wichtiges Bekenntnis zu einer humanen Gesellschaft. Ich will jetzt nicht ethische Fragen vertiefend behandeln, wohl aber auf einige moderne Aspekte von Immanuel Kants „kategorischem Imperativ“ hinweisen.

    Der Philosoph Hans Jonasformuliert in der Nachfolge Immanuel Kants in seinem „Prinzip Verantwortung“, in welchem er den Versuch einer Ethik für die technologische Zivilisation unternimmt, einen kategorischen Imperativ bezüglich der Verantwortung für zukünftige Generationen: „‚Handle so, dass die Wirkungen deiner Handlung verträglich sind mit der Permanenz und der Integrität echten menschlichen Lebens auf Erden‘; oder negativ ausgedrückt: ‚Handle so, dass die Wirkungen deiner Handlung nicht zerstörerisch sind für die künftige Möglichkeit solchen Lebens“.  Theodor Adorno wiederum hat sich in seiner Lesart des kategorischen Imperativs in seiner Schrift „Negative Dialektik“ auf ein ganz konkretes Ereignis bezogen: „Hitler hat dem Menschen im Stande seiner Unfreiheit einen neuen kategorischen Imperativ aufgezwungen: Ihr Denken und Handeln so einzurichten, dass Auschwitz nicht sich wiederhole, nichts Ähnliches geschehe.“

     Humanismus im Zeichen der Aufklärung ist kein Selbstläufer. Das müssen wir jeden Tag erleben, in rechtspopulistischen Bewegungen und autokratischen Regimen wie in Ungarn, der Türkei oder Russland, um nur einige zu nennen. Nicht zuletzt auch in der alltäglichen Nachrichten- und Bilderflut mit ihren grausigen Dokumenten zynischer Menschenverachtung aus den Krisengebieten dieser Welt. Insofern dürfen, ja müssen wir Harald Habermanns leise Bilder als einen Appell verstehen, die Würde des Menschen zu achten. 

Fotografieren als Meditation

     Fotografieren sei für ihn wie Meditation, hat mir Harald Habermann erklärt. Meditation ist, ganz verkürzt, der Versuch, über die Stille, über die Konzentration, über die Ausschaltung des ablenkenden Denkens zu sich selbst zu finden. Damit erklärt sich auch seine Aussage, dass sich in jedem Porträt auch der Porträtierende wiederfindet. Die Wahrheitssuche bedeutet immer auch Suche nach sich selbst.

    Und manchmal steht man sich Auge in Auge gegenüber. Wie auf jenem lichten Bild, das wie ein Aquarell wirkt. Das Gesicht des Mannes scheint hinter einem Farbschleier verborgen. Umso intensiver wird man seines Blicks gewahr; dieses fragenden, unbestechlich gnadenlosen Augenpaars. Was willst du von mir, fragt dieser Blick. Was erlaubst du dir eigentlich? Fragen, die sich der Fotograf immer wieder gestellt hat. Bis heute. Auch wenn er mit dem Ergebnis seiner fotografischen Wahrheitssuche im Niemandsland des Bewusstseins zufrieden sein darf.

     Schließen möchte ich mit zwei poetischen Imperativen. Den einen hat Erich Kästner formuliert: „Es gibt nichts Gutes, außer man tut es.“ Den anderen der italienische Schriftsteller Cesare Pavese: „Es ist schön zu leben, weil leben anfangen ist, immer, in jedem Augenblick.“

Der Singer-Songwriter Bob Dylan fasziniert sein Publikum seit 50 Jahren durch originelle und dichte Lyrik. Auch der Ellwanger Künstler Ulrich Brauchle gehört zu seinen zahlreichen Fans auf der Ostalb. Brauchle beschäftigt sich seit mehreren Jahren mit dem umfangreichen und komplexen Werk Dylans. Als bildender Künstler hat er einen einzigartigen Bilder-Zyklus geschaffen, der über 100 Radierungen zu Dylan und dessen Werk umfasst. Große Teile dieses druckgraphischen Oeuvres sind nun erstmalig auf Schloss Fachsenfeld zu sehen. Hauptwerke sind das bislang einzige von Dylan autorisierte, handgedruckte und bibliophile Künstlerbuch „Bob Dylan 15 lyrics“, sowie die neue Radier-Mappe mit Bildszenen aus dem Film „Dylan 1965“, die druckfrisch zur Fachsenfelder Ausstellung erscheint.

Der Zyklus „Bob Dylan 15 lyrics“ entstand im Jahr 2015 und ist die erste Publikation dieser Art, die von Dylans Management genehmigt wurde. Mit 13 locker gezeichneten Portraits dokumentiert Ulrich Brauchle das persönliche Erscheinungsbild des Songwriters in Nahaufnahmen und umrahmt damit 15 auf Büttenpapier gesetzte Song-Texte.
Die Ausstellung zeigt rund 40 Original-Radierungen, Studien und Vorarbeiten und dokumentiert den Entstehungsprozess des weltweit einzigartigen Werks.

Die Radiermappe zu D.A. Pennebakers Film „Don‘t look back“ besteht aus 25 Original-Radierungen, die Motive aus dem 1965 gedrehten Kultstreifen zum Thema haben.
Auch diese Arbeiten sind weltweit die einzigen vom Regisseur zur künstlerischen Verarbeitung freigegebenen Filmszenen.

Info: Die Ausstellung mit dem Untertitel „Die Zeiten ändern sich – The Times They Are A-Changing“ ist bis 25. Juni zu sehen.

Begleitprogramm: „Bob Dylan im Wandel der Zeit“ ist ein Abend mit SWR 1-Moderator Günter Schneidewind am Freitag, 12. Mai, 19 Uhr überschrieben. – „Dylan Songs Live“ interpretieren Ulrich Brauchle, Matthias Kehrle und Axel Nagel am Samstag, 29. April und 24. Juni jeweils um 19.30 Uhr auf Schloss Fachsenfeld. – „Not dark yet“ lautet das Motto eines Konzerts mit der Band „Planeausters“ am Samstag, 20. Mai, 19 Uhr.

Weitere Infos unter www.schloss-fachsenfeld.de